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백일몽의 세계로 초대하는 매혹의 최면술사 드림팝은 말 그대로 꿈꾸는 듯한 부유감 혹은 도취감을 그리는 팝으로 그 의미를 축약할 수 있을 것이다. 아름답고 심미적이며 의식과 무의식 사이 위치한 듯한 분위기는 마치 조용한 소용돌이에 휩쓸리는 것 같은 기분을 주며 차분하며 또한 부드러운 기분 같은 것은 꿈속의 아득한 여운을 구현해낸다. 이는 쉽게 정의할 수 있는 미학은 아니었고 마치 꿈 자체가 그러하듯 대체로 말로써 형언하는 것으로는 뭔가 부족했다. 시대적으로는 한창 고딕 록이 팝 씬을 지배하던 80년대 초반 무렵 그 보다는 조금 덜 공격적이고 너무 어둡지 않은 스타일로 밴드들이 대거 이동하는 와중 드림팝이 생성됐다. 음향적으로는 대체로 섬세함이 두드러졌고 리버브와 코러스 이펙팅을 다수 활용했다. 이런 식의 움직임을 바탕으로 또 다른 미스터리한 형태의 장르 하나가 탄생한다. 드림팝을 수면 위로 끌어올린 콕토 트윈스는 뉴 오더, 스미스와 함께 80년대 영국을 대표하는 밴드들 중 하나였다. 로빈 거스리의 영롱한 기타, 그리고 모호한 가사를 마치 천사처럼 부르는 엘리자베스 프레이저가 밴드의 특징을 구성했다. 콕토 트윈스의 1982년 사진 (사진=콕토 트윈스 공식 웹사이트 https://cocteautwins.com) 엘리자베스 프레이저는 영어가 아닌 자신만의 언어로 이뤄진 가사를 마치 스캣을 하듯 노래했는데 그녀가 만든 이 방언과도 같은 가사의 모호함은 우연함에서 비롯된 것이 아닌 신중하게 내린 예술적 결정의 결과였다. 뜻을 알 수 없는 가사의 경우 그녀의 관습적 글쓰기에 대한 자신감 부족에서 비롯됐는데 이런 방식이 오히려 자신만의 무언가를 끄집어내는 데에 도움이 됐다고 한다. 대부분의 작사가들이 단어와 의미에 의존하는 것과는 달리 오히려 단어의 소리 자체가 의미가 되도록 유도했고, 청취자로 하여금 새로운 해석을 할 수 있는 길을 열어주었다. 평단에서는 그녀의 목소리를 두고 신의 목소리라 묘사하곤 했다. 로빈 거스리의 반짝이면서 떨리는 기타 사운드를 듣고 어느 평론가는 소리의 성당이라 칭하기도 했다. 필 스펙터의 팬이었던 만큼 소리로 벽을 쌓으려 시도했고 리버브와 코러스를 활용하면서 마치 크리스탈과도 같은 기타 사운드를 만들었다. 놀랍게도 이는 이후 세대 기타 사운드의 새로운 표준이 됐다. 다들 이 톤을 모방하려 했기 때문이다. 수많은 뮤지션들 또한 팬을 자처했다. 마돈나 역시 콕토 트윈스의 팬임을 밝혔고 프린스는 그들과 계약하고 싶어했다. 뷰욕과 시규어 로스, 그리고 크랜베리스 또한 콕토 트윈스의 영향 아래 있었다. 왕정문의 경우 콕토 트윈스를 커버했는데, 콕토 트윈스가 90년대 중반 국내에 뒤늦게 라이센스된 것은 왕정문과 영화 중경삼림 때문이었다. 누군가는 슈게이즈의 원류가 바로 콕토 트윈스와 드림팝이라 주장하기도 했다. 세상과 동떨어진 듯한, 종종 이해할 수 없는 이 음악에 수많은 이들이 매료되고 또한 영향 받았다. 스코틀랜드의 석유화학 도시 그레인지머스는 즐비해 있는 정유소들 사이 끊임없이 타오르는 공장의 불길과 유황 연기 같은 증기 구름이 마치 지옥처럼 보이는 곳이었다. 사람들은 이 지역에서 콕토 트윈스처럼 아름다움에 집착하는 밴드가 탄생했다는 것에 대해 놀라곤 했다. 엘리자베스 프레이저에게 있어 음악은 일종의 탈출구였는데 만일 그녀가 로빈 거스리와 콕토 트윈스를 결성하지 못했다면 잡화 무역업에 종사했거나 혹은 육류 가공 공장에서 일하게 됐을 것이라 밝히기도 했다. 로빈 거스리 또한 인터뷰에서 콕토 트윈스의 음악은 항상 자신들이 온 곳에서 가능한 멀리 떨어지고자 하는 절실한 열망을 반영했다고 말했다. 로빈 거스리는 클럽에서 엘리자베스 프레이저가 춤추는 것을 보고는 함께 밴드를 할 것을 제안한다. 이후 베이스와 키보드의 사이먼 레이몬드가 합류하고 드럼의 경우 드럼 머신을 통해 녹음했다. 이들의 이름은 프랑스 예술가인 장 콕토(Jean Cocteau)에서 따온 것이 아닌, 글래스고 펑크 밴드인 조니 앤 더 셀프 어뷰저스의 노래 제목 Cocteau Twins에서 그대로 가져온 것이었다. 콕토 트윈스의 데뷔 앨범 Garlands는 버스데이 파티나 바우하우스, 수지 앤 더 밴시스에 영향 받은 우울한 포스트 펑크였다. 초기 이들의 곡은 놀라울 정도로 공격적이었지만 이후 사이먼 레이먼드가 팀에 들어오고나서 현재 우리가 알고 있는 밴드의 모습으로 정착한다. 1983년 두번째 앨범 Head Over Heels가 나왔을 때 BBC의 라디오 DJ 존 필은 앨범 전체를 방송했을 만큼 좋아했다. 이 무렵부터 서서히 빅토리아 시대의 우아함과 포스트 펑크의 우울함을 교차시킨 듯한 사운드를 형성해갔다. 1984년 Treasure에서부터 포스트 펑크의 그림자가 자취를 감추며 웅장하고 오페라 적인 요소들이 두각을 드러낸다. 반짝이는 기타와 황홀한 보컬 등 밴드의 트레이드마크 같은 사운드들이 펼쳐지며 강렬하고 풍부한 음색이 마치 폭포수처럼 쏟아져 나왔다. 싱글 'Lorerei'의 경우 이들의 음악의 방향성을 결정한 금자탑이라 할만했다. 1985년 석장의 EP를 공개한 이후 1986년에는 보다 광대한 사운드스케이프를 담은 Victorialand, 그리고 The Moon and the Melodies의 두 장을 공개한다. 특히 The Moon and the Melodies에는 앰비언트 뮤지션 해롤드 버드와 협업하면서 보다 명상적인 소리들을 쌓아 올려갔다. 참고로 한참 시간이 지나 2004년 무렵 그렉 아라키의 영화 미스테리어스 스킨의 사운드트랙을 로빈 거스리와 해롤드 버드가 함께 작업하게 된다. 엘리자베스 프레이저와 로빈 거스리는 동거를 시작하고 1988년 Blue Bell Knoll의 Carolyns Fingers는 주류에서 성공을 거두게 된다. 이어지는 Heaven or Las Vegas 또한 크게 성공하면서 상업적으로도 정점을 찍는데 보다 접근하기 쉬운 라디오 친화적인 노래들로 앨범을 채워내고 있었다. 이들은 앨범의 제목인 천국 혹은 라스 베가스처럼 신화와 세속을 오갔고 그 과정에서 세상을 정화시켰다. 이 무렵 엘리자베스 프레이저와 로빈 거스리 사이 아이가 생겼지만 로빈 거스리의 알콜 중독으로 인해 투어가 중단되기도 했고 여러 개인적 불화로 인해 사실상 밴드는 붕괴 직전이었다. 1993년 작 Four-Calendar Cafe에서 밴드는 보다 차분한 접근방식을 이어 나갔는데 Evangeline, 그리고 왕정문에 의해 번안된 Bluebeard 등이 여전히 히트했다. 밴드의 상황은 계속 아슬아슬했는데 쾌활한 싱글 Bluebeard의 가사에서는 직설적인 방식으로 현재 자신들의 상태를 고백하기도 한다. 당신은 나에게 맞는 사람인가요? 안전한가요? 친구인가요? 아니면 나에게 독이 되는 사람인가요? 결국 로빈 거스리와 엘리자베스 프레이저의 관계가 파탄이 나면서 콕토 트윈스는 1997년 해체한다. 로빈 거스리의 알코올과 약물 의존은 보다 심화됐고 엘리자베스 프레이저 또한 신경쇠약으로 인해 심리치료를 받았다. 로빈 거스리가 재활을 마친 후 음악을 만들려면 다시금 약물이 필요하다 말했던 것에 엘리자베스 프레이저는 화가 났다고 밝혔다. 이후 콕토 트윈스가 재결합하는 일은 없었다. 2005년 코첼라 페스티벌의 헤드라이너로 출연한다는 루머가 있었지만 엘리자베스 프레이저가 이를 없었던 일로 못박았다. 밴드가 재결합하면 각자 150만 파운드 이상의 수익을 얻을 수 있었지만 이들 사이의 감정의 골은 여전히 깊었다. 엘리자베스 프레이저는 음악을 만드는 것, 연주하는 것이 자신의 감정과 분리될 수 없다 생각했는데 인터뷰에서 그녀는 연기하기도, 거짓말을 하기도 싫었다고 언급했다. 이후 엘리자베스 프레이저는 제프 버클리와 잠시 교제하기도 했지만 안타깝게도 교제 중 제프 버클리가 익사사고로 사망하게 된다. 엘리자베스 프레이저는 대부분의 협업 요청을 거절하는 와중 매시브 어택의 곡 Teardrop에는 보컬로 참여했는데 만일 이 곡에 다른 보컬이 들어갔다면 지금까지 사랑받는 곡이 되지는 못했을 것이다. 얼마 전에는 매시브 어택의 공연에 엘리자베스 프레이저가 다시 무대 위에 오르면서 화제가 되기도 했다. 2009년에 발매한 솔로 싱글 Moses의 경우 일종의 치유를 목적으로 한 작업이었다고 한다. 로빈 거스리는 영화음악과 실험적인 연주 앨범들을 내놓았고 사이먼 레이몬드는 벨라 유니언이라는 탄탄한 레이블을 설립하여 운영 중에 있다. 콕토 트윈스의 리뷰에 자주 등장하는 천상 혹은 영원같은 단어는 너무 쉽고 무감각하게 느껴질 정도로 뻔한 수사처럼 보이곤 했다. 쉽게 이해되는 것과 완전히 이해할 수 없는 것을 뒤섞은 이들의 노래는 심오한 문자적 의미나 해석 따위를 추출할 필요가 없었다. 쾌락과 고통의 경계에서 파괴적 황홀감이 존재했고 섬뜩함과 순수함 사이 완벽하게 균형을 잡아갔다. 깊게 생각할 필요없이 단순히 그저 피부에 닿는 청각적 행복감 속으로 빠져들면 그만이었다. 정작 콕토 트윈스는 인터뷰에서 자신들이 하는 일을 특별히 실험적이거나 독창적이라 생각하지 않는다 밝혔다. 그저 운이 좋은 시기였고 당시에는 밴드가 원하는 것을 하면서 경력을 쌓을 수 있었다고 한다. 하지만 안타깝게도 밴드가 지금까지 지속될 수는 없었다. 밝고 반짝이던 콕토 트윈스라는 존재는 온 세상에 영향을 미칠만큼 충분히 빛을 발하다가 마치 가벼운 속삭임처럼 얇은 공기 속으로 사라져버렸다. 그럼에도 여전히 손상되지 않는 에너지, 그리고 생생한 영혼을 콕토 트윈스는 앨범에 담아냈다. 완벽하게 이해할 수는 없었지만 가능한 모든 면에서 절대적으로 솔직 하려 했다. 누군가는 이를 두고 사랑에 빠지는 것 같은 느낌이라 설명한다. 여기에는 가슴 아픈 감정과 순간의 강렬함 또한 존재했기 때문에 꽤나 적절한 비유라 생각된다. 아름다운 밴드가 만든 아름다운 음악들이 거기 있었다. 달리 표현할 방법이 없다. ☞ 추천 음반 ◆ This Mortal Coil - It'll End in Tears (1984 / 4AD) 4AD 레이블 소속 아티스트들이 집결해 만든 느슨한 프로젝트성 기획으로 크게 봤을 때는 콕토 트윈스와 데드 캔 댄스 멤버들의 합작이라 하겠다. 특히 콕토 트윈스 멤버들이 그대로 참여하고 있는 Song to the Siren은 이후 로스트 하이웨이, 러블리 본즈 같은 영화들에 수록되면서 원곡 팀 버클리의 버전 이상으로 애호됐다. 팀 버클리의 아들 제프 버클리 또한 이 곡을 듣고 엘리자베스 프레이저에게 매료됐다. 오히려 콕토 트윈스에서 볼 수 없었던 엘리자베스 프레이저의 담담하고 적나라한 매력을 제대로 보여준 앨범이 아니었나 싶다. 이는 마치 어두운 밤 창백하고 신비로운 달빛과도 같다. ◆ 한상철 밴드 불싸조 기타리스트 다수의 일간지 및 월간지, 인터넷 포털에 음악 및 영화 관련 글들을 기고하고 있다. 파스텔 뮤직에서 해외 업무를 담당했으며, 해외 라이센스 음반 해설지들을 작성해왔다. TBS eFM의 On the Pulse 음악 작가, 그리고 SBS 파워 FM 정선희의 오늘 같은 밤 고정 게스트로 출연하기도 했다. 록밴드 불싸조에서 기타를 연주한다. samsicke@hanmail.net 2024.08.28 한상철 밴드 ‘불싸조’ 기타리스트
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크론보르 성 덴마크 왕자의 비극 수도 코펜하겐에서 북쪽으로 해안을 따라 약 45킬로미터 지점에는 인구 6만3000명의 작은 항구도시가 있다. 이 도시의 영어식 이름은 엘시노어(Elsinore)이고 덴마크 현지 도시명은 Helsingr이다. 발음은 헬싱괴르나 헬싱외르가 아니라 헬싱외어이다. 이곳에서는 바다 건너 멀리 스웨덴의 항구도시 헬싱보리(Helsingborg)가 보인다. 이 두 도시는 외레순(resund) 해협을 두고 서로 약 4킬로미터 떨어져 있는데 이곳이 덴마크와 스웨덴 사이의 거리가 가장 가까운 지점이다. 크론보르 성에서 본 외레순 해협. 멀리 스웨덴의 헬싱보리가 보인다. 헬싱외어는 원래 보잘 것 없는 조그만 어촌이었다. 또 바다 건너에 있는 헬싱보리는 원래 덴마크 영토였다. 덴마크의 에릭 왕은 1420년에 헬싱외어와 헬싱보리 양쪽에 요새를 세우고는 1429년부터 해협을 통과하는 모든 외국 선박에 통행세를 징수하기 시작했다. 배들은 통행세를 내기 위해 헬싱외어에 입항했고 이곳에서 항해에 필요한 생필품도 구입했다. 이에 따라 헬싱외어는 교역의 중심으로 발전했다. 세월이 지난 1577년 덴마크 왕 프레데릭 2세는 네덜란드 건축가들을 불러 이 단순한 요새를 웅장한 르네상스 양식의 성으로 개축하고는 크론보르(Kronborg)라고 이름 붙였다. 왕관의 성이란 뜻이다. 이 성은 무엇보다도 먼저 셰익스피어의 비극햄릿의 배경이 된 곳으로 잘 알려져 있다. 매년 8월 이 성에서는 셰익스피어 페스티발이 열린다. 햄릿의 배경이 된 크론보르 성. 한편 주인공 햄릿은 영국 왕자가 아니라 덴마크 왕자이다. 그것은 이 작품의 정식 제목인 덴마크의 왕자 햄릿의 비극(The Tragedy of Hamlet, Prince of Denmark)을 보면 금방 알 수 있다. 햄릿은 모두 5막으로 구성되어 있다. 첫 부분을 보면, 부왕이 서거하자 숙부 클로디어스가 왕위에 올랐고 어머니는 금방 그와 재혼한다. 햄릿은 탄식하며 그런 어머니에게서 태어난 자신의 존재에 대해서도 깊은 회의에 빠진다. 하루는 아버지가 망령으로 나타나 동생 클로디어스가 자신을 독살하고 왕위를 빼앗았다고 한다. 이에 햄릿은 아버지의 원수를 갚기 위해 치밀한 계획을 세우지만 선뜻 실행에 옮기지 못한다. 즉, 그는 이 괴로운 상황을 그대로 유지할지, 아니면 맞서 싸워야할지 고민하며 어느 쪽이 더 당당한 것인가라는 질문을 던지면서도, 이것도 저것도 아니라며 답을 얻지 못하다가 진실을 파헤치기 위해 미친 척 하며 사람들을 혼란스럽게 만든다. 결국 그는 클로디어스의 죄를 폭로하려 하지만, 그 과정에서 사랑하는 오필리아와 그녀의 아버지 폴로니우스(클로디어스의 고문)까지 희생된다. 결국 그는 모든 것을 비극적인 최후로 몰고 간다. 셰익스피어는 이러한 햄릿을 통하여 내적인 혼란에 빠진 인간의 모습을 그려내면서 삶과 죽음 사이에 발생할 수 있는 모든 문제를 다루고 있다. 크론보르 성을 배경으로 세워진 햄릿 동상 셰익스피어의 비극 햄릿을 1858년에 교향시로 만든 음악가가 있다. 다름 아닌 프란츠 리스트(Franz Liszt, 1811-1886). 그는 19세기 낭만주의 음악의 대표적인 작곡가로, 교향시(symphonic poem)라는 새로운 음악 형식을 개척한 장본인이다. 교향시는 단일 악장으로 구성된 관현악 작품으로, 문학적, 철학적 또는 자연적 주제를 음악적으로 묘사하는 것이 특징이다. 교향시햄릿은 14~15분 정도의 길이로, 햄릿의 복잡한 성격과 내적 갈등을 음악적으로 표현한다. 이 작품은 두 가지 주요 주제를 중심으로 전개되는데 첫 번째는 햄릿을 상징하는 어두운 주제이며, 두 번째는 오필리아를 상징하는 서정적인 주제다. 햄릿의 주제는 작품 전반에 걸쳐 반복되며, 그의 내적 갈등과 복수의 고뇌를 나타낸다. 이 주제는 어둡고 불안정한 선율로 표현되며, 리스트는 이를 통해 햄릿의 심리적 복잡성을 음악적으로 탐구한다. 반면, 오필리아의 주제는 부드럽고 서정적인 멜로디로 연주되며, 그녀의 순수함과 비극적 운명을 상징한다. 단일 악장으로 구성된 이 작품은 극적인 대비와 심리적 깊이를 담아내며, 햄릿이라는 인물의 복잡한 심리를 음악적으로 절묘하게 표현했다. 특히, 햄릿과 오필리아의 주제가 교차하며 나타나는 부분은 두 인물의 운명이 얽히는 비극적 결말을 예고하는 듯한 긴장감을 자아낸다. 크론보르 성에서 보이는 셰익스피어 기념명판. 한편 셰익스피어가 햄릿을 쓴 것이 1599년과 1602년 사이이니까, 당시 크론보르 성이 완공된 다음이다. 그런데 이 성이 햄릿의 무대가 되었다고 해서 실제로 햄릿이 이곳에 살았다는 뜻은 아니다. 또 햄릿이 덴마크 왕자라고 해서 실존인물이었다는 뜻도 아니다. 게다가 셰익스피어는 평생토록 덴마크 땅을 밟은 적도 없다. 따지고 보면 햄릿 이야기도 그가 처음 만든 것이 아니다. 원전은 바이킹시대 스칸디나비아에서 전해 내려오던 암렛(Amleth) 이야기이다. 이 이야기는 덴마크의 서부지방 윌랜(Jylland)이 되는데, 그곳을 다스리던 아버지를 살해하고 어머니와 결혼한 삼촌에 대한 암렛의 복수를 그리고 있다. 셰익스피어는 이야기를 처음부터 새롭게 지어내는 것보다는 이미 있는 이야기를 재구성하고 재해석하는데 뛰어났다. 햄릿도 그런 식으로 창조되었던 것이다. 또한 주인공 이름 Hamlet도 다름 아닌 Amleth의 마지막 철자 h를 앞에 붙여 만든 것이다. ◆ 정태남 이탈리아 건축사 건축 분야 외에도 음악·미술·언어·역사 등 여러 분야에 박식하고, 유럽과 국내를 오가며 강연과 저술 활동도 하고 있다. 유럽에서 클래식을 만나다, 동유럽 문화도시 기행, 이탈리아 도시기행, 건축으로 만나는 1000년 로마, 매력과 마력의 도시 로마 산책 외에도 여러 저서를 펴냈으며 이탈리아 대통령으로부터 기사훈장을 받았다. culturebox@naver.com 2024.08.21 정태남 이탈리아 건축사
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스크린에서도 빛나는 노르웨이 대표 음악가, 에드바르 그리그 깎아지른 듯한 높은 절벽과 피오르드 해안. 빙하와 만년설로 덮여있는 스칸디나비아 산맥이 이국적 풍광으로 다가오는 나라, 바로 노르웨이다. 북쪽이라는 뜻의 Nor와 길이라는 뜻의 way가 합쳐져 북쪽으로 가는 길이라는 뜻의 노르웨이는 누구나 한번쯤 여행하고 싶은 아름답고 청정한 국가이다. 노르웨이는 민족주의가 팽창하던 20세기 초 1905년에 스웨덴으로부터 독립한 국가로 한때 덴마크에 복속되어 있기도 했다. 역사적으로 자신들의 문화와 언어가 있는 민족은 그것을 지키기 위해 투쟁을 계속 이어왔다. 20세기 초 독립한 노르웨이 인들도 그들의 언어와 문화를 통해 전통을 이어나가고자 하는 열망을 갖고 있었다. 이런 열망을 가진 예술가들 중 에드바르 그리그(Edvard Grieg)는 노르웨이를 상징하는 대표적인 음악가라 할 수 있다. 그의 음악은 북유럽 자연의 맑고 고요하며 거대한 선율과 민속적인 리듬이 적절히 어우러져 있다. 그리그는 교향곡을 포함해 실내악 합창곡, 가곡 등 다양한 작품을 작곡했는데 모두 우리에게 서정적이고 신선한 느낌을 주고 있다. 아래 언급하는 네 가지 작품은 그를 대표하는 작품들이라 볼 수 있다. 실제 자주 연주되며 대중적으로 널리 알려진 그의 네 작품은 화려한 스크린 속에서도 빛나고 있다. 각각의 작품들은 어떤 스토리와 특징을 갖고 있을까. 노르웨이 챔버 오케스트라가 피아니스트 얀 리치에츠키와 자선 공연을 열고 있다. (ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) ◆ 페르 귄트 모음곡(Peer Gynt Suite) 그리그의 가장 유명한 작품을 들라면 바로 페르 귄트 모음곡(Peer Gynt Suite)을 꼽을 수 있다. 그리그는 근대 연극의 아버지라고 불리는 극작가 헨리크 입센(Henrik Ibsen)과 자주 교류가 있었다. 어느 날 입센이 자신의 희곡 페르 귄트의 극 부수음악을 31세의 젊은 그리그에게 부탁하였다. 그리그는 처음 오리지널 악보를 5막 26개의 악장으로 구성했는데, 이후 10년뒤 각각 4개의 악장을 가진 2개의 모음곡형식으로 만들었다. 작품 페르 귄트는 페르가 이름이고 귄트가 성(姓)인 풍운아 기질의 망나니 주인공 이름이다. 노르웨이 민속설화를 바탕으로 만든 희극 페르 귄트는 드라마틱한 주인공의 삶을 통해 인간의 욕망과 정신세계를 그리고 있다. 모음곡들 중 가장 잘 알려진 곡은 맨 처음 등장하는 아침의 기분(Morgenstimmung)과 산속 마왕의 전당에서(In der Halle des Bergkonigs)그리고 솔베이그의 노래 (Solveigs Lied)를 들 수 있다. 모음곡1번의 첫 번째 곡 아침의 기분은 플루트의 목가적인 선율로 시작하여 아침햇살이 서서히 떠오르는 모로코의 해안 풍경을 묘사하고 있다. 아침의 기분은 찰튼 헤스턴 주연의 영화 소일런트 그린과 브라이언 드 팔마 감독의 카인의 두 얼굴그리고 드라마 빅뱅이론과 애니메이션 심슨등의 OST로 활용되었다. 산속 마왕의 전당에서또한 익숙한 멜로디로 애니메이션 가제트 형사의 테마로 널리 알려져 있다. 이 곡은 페르 귄트 2막 6번째 장면을 위한 부수음악이었지만 이후 1번 모음곡의 마지막 곡이 되었다. 작품은 산속 트롤(요괴)의 딸과 사랑에 빠진 페르 귄트가 약혼하고 요괴의 수하에게 위협받는 등 드라마틱한 스토리를 담고 있다. 가제트 형사 이외에도 영화 쟈니 잉글리쉬, 랫 레이스, TV시리즈 바빌론 베를린, 애니메이션 스머프 등 많은 작품에 삽입되었다. 2번 모음곡의 마지막 곡인 솔베이지의 노래는 구슬프고 서정적인 멜로디로 유명하다. 노래의 줄거리는 어린 시절 페르 귄트와 결혼한 솔베이지가 오랜 세월이 지나 세계를 유랑하며 큰돈도 벌었지만 마지막에 모든 것을 잃은 페르 귄트를 만난다. 그리고 죽어가는 남편을 위해 노래를 부르며 자신도 함께 따라간다는 내용이다. 솔베이지의 아름다운 선율은 영화 사탄의 인형 3, 엠버스, Face of the Trinity 등 다양한 영화에 사용되었다. ◆ 피아노 협주곡(Piano Concerto in A minor) 북유럽의 쇼팽이라고 불리는 그리그는 유일한 피아노 협주곡을 남겼다. 그의 피아노 협주곡은 차이코프스키 협주곡 그리고 베토벤의 황제와 더불어 가장 대중적 인기를 누리는 협주곡으로 유명하다. 불과 그의 나이 25살에 쓰여진 이피아노 협주곡은 대담하고 극적인 오프닝으로 시작해 짙은 서정성과 토속적 리듬선율이 돋보인다. 소나타 형식의 고전적인 3악장으로 작곡되었지만 작곡가 자신이 뛰어난 피아니스트였기 때문에 비르투오소적인 느낌 또한 물씬 풍기고 있다. 특히 마지막 3악장은 그리그가 좋아하고 각종 축하행사에서 공연되는 노르웨이 민속춤 홀링(Halling) 댄스의 리듬이 악장전체에 흐르고 있다. 당대 피아노의 황제 프란츠 리스트는 그리그의 협주곡을 가리켜 스칸디나비아의 혼이라며극찬했고 그의 타고난 음악적 재능을 높이 샀다. 또한 작품을 작곡한 이듬해인 1869년, 코펜하겐에서 초연된 그의 피아노 협주곡은 당시에 많은 호평을 받았다. 하지만 현재 우리가 연주와 레코딩으로 듣고 있는 작품은 초연 이후 7번의 수정과 개정을 거쳐 나온 결과물로 약간의 차이가 있다. 뛰어난 선율이 매력적인 그의 협주곡은 영화와 드라마에도 자주 활용되었다. 여러 작품들이 있지만 대표적으로 발레리나에서 스파이가 되는 스토리의 영화 레드 스페로를비롯해 디 오너스,골든 글로브를 수상한 TV시리즈 모차르트 인 더 정글과 드라마 Best of the Worst등이 대표적이라 하겠다. ◆ 서정 소곡집(Lyric Pieces) 그리그의 서정 소곡집(Lyric Pieces Book)은 모두 피아노 작품으로 그의 전 생애를 관통하고 있는 전집이다. 앞서 소개한 강렬한 도입부의 피아노 협주곡과는 다르게 고상하며 순박한 매력들을 갖고 있다. 전체 10권으로 되어있는 이 아름다운 작품집은 모두 66개의 곡으로 이루어져 있으며 낭만주의 음악의 함축적이며 시적인 특징이 잘 드러난 걸작이다. 먼저 1권은 20대 초 중반의 순수하며 낭만적인 그리그의 모습이 보인다. 멘델스존의 무언가와도 비슷한 스타일은 시대적인 경향이 영향을 미친 결과일 것이다. 2권은 15년뒤에 완성이 되었는데, 다양한 실험을 통해 전통적 낭만성 위에 민족적인 분위기가 느껴진다. 3권은 그가 40대중반에 완성한 작품으로 전작 보다 좀더 성숙하고 개성이 넘치는 곡들을 선보였다. 전체 6곡으로 이루어진 3권은 모두 훌륭하지만 첫 곡 나비를 비롯해 다섯 번째 곡 사랑의 시, 마지막 봄에 부침이 특히 아름답다. 북유럽의 춥고 긴 계절을 지나 그리그가 바라던 자연 속 고향의 아름다움과 따스함이 느껴지는 이 작품은 그가 태어난 베르겐 교외의 트롤드하우겐에 머물 당시 작곡되었다. 3권은 2권이 나온 지 3년뒤 완성된 그의 원숙기 작품이라 할 수 있다. 그리그의 아름다운 감수성을 느낄 수 있는 서정소곡집은 나이와 함께 깊어지는 그의 음악성이 돋보이는 작품이다. 여러 영화에 활용된 서정소곡집은 영화 꼬마돼지 베이브와 호색한을 비롯해 TV시리즈 Verguenza와 바빌론 베를린 등 여러 작품에 사용되었다. ◆ 홀베르그 모음곡(Holberg Suite) 루드빅 홀베르크(Ludvig Holberg) 남작은 극작가로 북유럽의 몰리에르(Moliere)라 불릴 정도로 문학계의 존경을 받는 인물이다. 1884년 12월 그의 탄생 200주년을 기념하는 축제가 고향 노르웨이 베르겐에서 열렸다. 사실 홀베르크는 덴마크 문학의 아버지로 불리고 있었는데, 그 당시 노르웨이는 덴마크에 복속되어 있었기 때문이다. 양국의 존경을 받는 그의 기념축제에 같은 동향 출신 그리그는 행사음악을 위촉 받았다. 그리고 홀베르크가 활동하던 바로크 시대 음악 풍의 피아노 작품 홀베르크의 시대로부터를 발표했다. 기념회에서 초연된 이후 많은 인기를 얻은 이 작품은 다시 그리그에 의해 이듬해 현악 합주용 홀베르크 모음곡(Holberg Suite for string orchestra)으로 편곡되었다. 전체 5악장으로 이루어진 모음곡은 각각 바흐, 헨델의 프랑스풍 춤곡형식을 띄고 있다. 1악장 프렐류드(Prelude)는 전주곡이란 뜻으로 활기차며 산들바람 같은 선율이 인상적이다. 2악장 사라방드(Sarabande)는 스페인 무곡에서 발전되어 프랑스에서 유행한 춤곡으로 3/4 또는 3/2박자의 리듬을 갖고 있으며 선율의 우아한 격조가 춤곡의 느낌을 잘 살려주고 있다. 3악장 가보트(Gavotte)는 짧은 선율의 트리오가 중간에 등장하며 전체적으로 가볍고 경쾌한 분위기를 보여준다. 4악장 아리아(Air)는 종교적인 느낌의 곡으로 삶의 비애와 서정성을 잘 보여준다. 마지막 5악장 리고동(Rigaudon)은 프로방스 지방에서 시작되어 파리궁정과 영국에서 유행한 춤곡이다. 홀베르크 모음곡에서는 흥겨운 악장의 솔로 바이올린 연주가 돋보이며 감각적인 트리오가 중간에 삽입되어있다. 많은 평론가들은 홀베르크 모음곡의 작품성을 페르 귄트와 같은 위치로 말할 정도로 높이 평가하고 있다. 홀베르크 모음곡은 영화 뉴욕, 아이 러브 유, 존 윅 챕터 3 : 파라벨룸, 나는 그것을 사랑한다 그리고 2015년 작 When the World Came to San Francisco에 OST로 활용되었다. ☞ 음반추천 페르 귄트 모음곡은 카라얀의 레코딩이 대중적이며 네빌 메리너(Sir Neville Marriner)와 세인트 마틴 인더필즈(saint martin in the fields)의 연주가 정말 아름답다. 피아노 협주곡은 개인적으로 루빈스타인(Arthur Rubinstein)의 앨범을 좋아한다. 리히터(Sviatoslav Richter)의 연주 또한 감동적이다. 현대 연주자로는 레이프 오베 안스네스(Leif Ove Andsnes)의 연주를 추천드린다. 그리그의 서정 소곡집은 에밀 길렐스(Emil Gilels)의 음반과 안드라스 쉬프(Schiff Andras)의 레코딩이 담백하며 아름답다. 홀베르그 모음곡은 앞서 언급한 세인트 마틴 인더필즈의 레코딩을 선호하고, 오스트렐리안 챔버의 에너지 넘치는 연주 또한 권해드리겠다. ◆ 김상균 바이올리니스트 서울대 음대 재학 중 오스트리아로 건너가 비엔나 국립음대와 클리블랜드 음악원 최고연주자과정 최우수 졸업. 이 후Memphis 심포니, Chicago civic오케스트라, Ohio필하모닉 악장 등을 역임하고 London 심포니, Royal Flemisch 심포니 오디션선발 및 국내외 악장, 솔리스트, 챔버연주자로도 활발히 활동 중이다. eigenartig@naver.com 2024.08.20 김상균 바이올리니스트
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교사와 협력하는 AI 디지털교과서…질 높은 맞춤 교육 제공할 것 정영식 전주교육대학교 컴퓨터교육과 교수 내년부터 인공지능(AI)을 활용한 디지털교과서가 도입된다. 초등학교 3~4학년군의 수학과 영어, 정보,중학교 1학년과 고등학교 1학년은 수학, 영어, 정보 교과서가 서책형 교과서와 함께 AI 디지털교과서가 보급되고, 특수학교에서는 국어 교과가 AI 디지털교과서로 개발된다. 디지털교과서는 2007년 노무현 정부에서 디지털교과서 상용화 추진 계획에 따라 시작되었다. 2008년 전과목 디지털교과서 원형(prototype)을 개발하여 시범 운영한 후 교육적 효과가 높은 것으로 나타난 사회, 과학, 영어를 중심으로 개발되어 2015 개정 교육과정에서는 선도학교를 시작으로 모든 학교를 대상으로 제공되어 왔다. 2022 개정 교육과정에서는 인공지능을 활용하여 학생 개인의 능력과 수준에 맞는 다양한 맞춤형 학습 기회를 지원하고자 기존의 디지털교과서를 개선한 AI 디지털교과서를 개발하여 2025년부터 초중등학교에서 보급된다. AI 디지털교과서가 도입되었을 때 가장 큰 장점은 평상시 학생을 관찰한 교사 자료와 학생 개개인을 분석한 AI 디지털교과서 자료를 토대로, 교사가 최적의 콘텐츠나 학습 경로를 재구성하여 수업을 설계하고 학생 맞춤교육을 실현할 수 있다는 점이다. 학생은 스스로 학습 상태를 수시로 확인하고, 문제점을 발견하여 그것을 해결하기 위한 최적의 학습 경로와 콘텐츠를 추천받을 수 있으며,학부모는 자녀의 학습 진단 및 분석 결과를 언제든지 확인할 수 있어 자녀를 보다 깊이 이해하고 적절한 조치를 취할 수 있다. 교육 현장 도입을 목표로 개발한 AI 메타버스 지니버스를 활용한 초등학교 교육용 도로명주소 디지털교과서 (ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) 최근 AI 디지털교과서 도입을 유보하라는 주장이 있다. 주요 내용을 살펴보면, 스마트기기의 부작용이 심각한데 교과서까지 디지털로 하는 것에 대한 반대 의견, AI 디지털교과서의 효과가 검증되지 않았고 학교 인프라도 충분하지 않은 상태에서 너무 시급하게 도입하고 있다는 의견이다. 그러나 이러한 의견은 적절하지 않다. 그 이유를 살펴보면 다음과 같다. 첫째, 스마트기기의 부작용이 심각하므로 못쓰게 하는 것이 아니라, 오히려 제대로 쓰는 교육을 해야 한다. 2023년 스마트폰 과의존 실태조사에 따르면, 청소년의 스마트폰 과의존 위험군은 40.1%에 달하고 있다. 그 원인은 자율적 조절 능력이 부족하다는 것이다. 학부모들을 대상으로 한 설문 결과에서는 자녀의 스마트폰 과의존의 주된 원인이 맞벌이로 인한 훈육 시간 부족(36.0%)과 훈육 방법을 잘 몰라서(34.0%)라고 응답하였다. 이 문제를 해결하려면 학교의 도움이 필요하다. 이미 많은 시도교육청에서 학생 1인 1기기 정책을 추진하면서 초등학교 3학년부터 고등학교 3학년까지 스마트기기나 노트북을 무상으로 제공하고 있다. 스마트기기의 역기능을 최소화하려면 정규 수업 시간에 스마트기기를 제대로 쓰게하는 것이 필요하다. 즉, AI 디지털교과서를 활용하면서 스마트기기의 사용을 조절하며 올바르게 사용하는 방법을 가르치는 것이 더 효과적이다. 아울러, 최근 청소년의 SNS 중독 등 문제가 불거지며 관련 학교 내 스마트폰 규제 등에 대한 논의가 이루어지고 있는데, 학생의 개인적이고 흥미 위주의 스마트기기 활용과, 교실에서 교사의 관리 아래 이루어지는 교육 위주의 스마트기기 활용은 구분되어야 한다. 자녀의 스마트폰 과의존의 주요 원인(출처 : 2023 스마트폰 과의존 실태조사) 둘째, AI 디지털교과서는 2008년 디지털교과서 원형이 개발된 이후 지금까지 수많은 정책 및 개인 연구를 통해 그 효과가 검증되어 왔다. 본 집필자는 2014년부터 2016년까지 실시한 디지털교과서 종단 연구를 통해 초등학교 3~4학년 1,500여 명을 3년간 추적·관찰하였다. 그 결과, 학생들이 디지털교과서를 많이 사용할수록 학업성취도 뿐만 아니라 학업에 대한 자신감과 태도, 대인 관계 등 거의 모든 영역에서 긍정적인 효과를 나타내었다. 특히, 스마트기기 과의존 학생의 비율은 점차 감소하였다. 셋째, 코로나 사태 이후 학교의 유무선 인터넷망은 크게 개선되었고, 시도교육청의 학생 1인 1기기 정책으로 AI 디지털교과서를 활용하는 데 필요한 기기는 충분히 마련되었다. 교육부에서 조사한 자료에 따르면, 2024년 3월 기준으로 초등학교 3학년 이상 스마트기기 보급률은 85%로 나타났고, 무선 인터넷 장비의 보급률은 이미 100%를 넘어서 거의 모든 학습 공간에서 무선 인터넷을 자유롭게 사용할 수 있는 것으로 나타났다. 2025년에 전체 학생의 1/3이 AI 디지털교과서를 사용하기 때문에, 이러한 학교 인프라만으로도 AI 디지털교과서를 운영하는 데 충분할 것으로 예상된다. AI 디지털교과서가 성공적으로 도입되려면, 교사의 디지털 역량이 절실하다. 앞서 소개한 디지털교과서 종단 연구에서 학생들의 교육적 효과에 영향을 미치는 교사 변인으로 디지털 역량이 유일했다. 즉, 교사의 디지털 역량이 높을수록 학생들의 교육적 효과가 높았다. 따라서 교사의 디지털 역량을 높이려면 다양한 교원 연수 정책이 필요하다. 교육부는 터치교사단, 교실혁명 선도교사, 찾아가는 학교 연수등을 통해 교사의 디지털 역량을 향상시키기 위해 다양한 정책을 추진하고 있다. 이러한 연수는 모두 교사의 자발적 참여를 전제로 한다. 교육의 질은 교사의 질을 넘지 못한다는것은 서책 중심의 전통적인 교실뿐만 아니라 AI 디지털교과서 중심의 미래 교실에서도 마찬가지다. 교사 혼자 20명이 넘는 학생들을 수업시간마다 진단하고 처방하는 것은 불가능하다. 그러나 교사가 AI 디지털교과서의 도움을 받아 학생을 진단하고처방한다면, 학생을 더 잘 이해하고, 학생들에게 더 필요한 교육을 제공할 수 있다. 따라서 AI 디지털교과서는 교육의 질을 바꾸는 도구가 될 것이다. 2024.08.16 정영식 전주교육대학교 컴퓨터교육과 교수
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앰비언트 음악의 토대를 마련한 세기의 혁신가 현 음악계에서 가장 영향력 있으며 혁신을 거듭하는 인물은 아마도 브라이언 이노일 것이다. 브라이언 이노라는 거인은 어느 방향으로 커리어를 바라보느냐에 따라 각기 다른 주제로 논할 수 있을 것이다. 그러니까 록시 뮤직의 건반주자부터 데이빗 보위와 U2, 콜드플레이 같은 이들의 프로듀서, 그리고 경제학자 장하준과 대담하는 오피니언 리더 등으로 그를 분류하는 것이 가능하다. 그리고 지금 여기서는 앰비언트 뮤직의 활성화를 이끌어냈던 브라이언 이노의 경력에 대해 다뤄보려 한다. 1970년대 중반 무렵 시작된 이래 많은 발전을 거쳐 변형 및 진화를 이뤄낸 앰비언트 뮤직은 그야말로 환경을 물들이는 음악이었다. 주로 명상적인 분위기로 음악이 흐르는 풍경에 기여했는데 이는 여전히 수많은 이들의 삶의 배경이 되고 있다. 상상하지 못했던 음색과 질감을 조합하는 방식은 사운드 디자인이라 불리는 것의 기초가 되었으며 이는 단순히 음악적인 것들을 넘어 다른 창의적 활동으로도 연결됐다. 앰비언트 이전에는 20세기 초 에릭 사티가 만든 개념인 가구 음악이 먼저 존재했다. 이는 말 그대로 의자가 방을 차지하는 것처럼 음악이 공간 내에 존재하는 것을 의미하는데, 후에 라디오와 축음기가 발명되어 음악을 연회장이 아닌 가정에서 원할 때 들을 수 있게 되면서, 즉 음악이 시간과 장소에서 분리되기 시작하면서 상용화가 가능해 졌다. 사실 개념이 처음 만들어졌을 당시에는 음악 자체의 중요성을 떨어뜨리는 것처럼 보였기 때문에 많은 작곡가들이 기피했다. 그리고 반세기 후에 앰비언트 뮤직이 탄생했다. 일상 생활의 평범한 소리에서 음악을 찾고자 했던 존 케이지의 철학, 라 몬테 영과 스티브 라이히의 미니멀리즘 등에서 적극 아이디어를 수혈했다. 앰비언트는 단순히 음악만이 아닌 소리와 상황, 청취자, 장소 사이의 무언의 계약과도 같았는데 이는 특정 유형의 음악적 경험을 달성하기 위해 존재한다. 때문에 음악이 존재하는 공간과 장소, 그리고 어떻게 감상되고 이해되며 소비되는 지가 중요하게 작용한다. 이 소리들은 다양한 색조와 음영을 어떤 방식으로 채색할 것인지에 초점이 맞춰져 있다. 라이브러리 뮤직, 혹은 엘리베이터 뮤직과 비교하자면 보다 감정적 윤곽과 미학적, 경제적 존재감 등이 부각된다. 이는 뉴 에이지처럼 어떤 초월적이고 신비한 차원을 추구하지 않으며 오히려 일상의 살아있는 경험으로 초대한다. 브라이언 이노의 최근 모습(사진=https://www.brian-eno.net) 전자음악 분야의 선구자인 브라이언 이노는 이미 1970년대 초반에 오디오 텍스처를 조작하는 기술을 상용해왔다. 그는 새로운 종류의 음향 구조를 만들고 이를 음악적 형식으로 대중화 하는 데에 중심적인 역할을 했다. 브라이언 이노는 직접적으로 집중하는 음악 보다는 재생되는 공간의 분위기에 영향을 줄 수 있는 음악을 만드는 데에 관심을 보였고 이는 앰비언트 뮤직의 탄생과 이어진다. 피치포크 미디어의 표현처럼 음악적 아이디어 전체가 한 개인에게 이렇게까지 완전히 소유된 적은 거의 없었다. 록시 뮤직을 탈퇴한 이후 브라이언 이노는 킹 크림슨의 기타 마법사 로버트 프립과 팀을 이뤄 1973년 No Pussyfooting, 그리고 Evening Star를 만들면서 드론과 앰비언트의 가능성을 시험했다. 그리고 1975년 무렵 자동차 사고로 입원하게 된 브라이언 이노는 침상에 누워있던 와중 친구가 재생해놓고 나가버린 19세기 하프 앨범에 집중한다. 볼륨은 너무 작았고 스피커는 하나가 뽑혀 있어 소리가 명확하게 들리지 않았다. 하지만 움직일 기력이 없었던 브라이언 이노는 할 수 없이 이 낮은 음량에 한쪽이 나오지 않는 하프 음악을 창밖의 빗소리와 함께 듣고 있었다. 그러다가 이 희미한 음향이 나머지 환경과 흥미롭게 조화를 이룬다는 사실을 발견하게 된다. 그리고 이 경험을 토대로 테이프 루핑과 드론을 활용한 Discreet Music을 완성한다. 이후 1978년도에 처음으로 앰비언트라는 용어를 사용한 앨범을 내놓는다. Ambient 1: Music for Airports는 앨범의 라이너노트에 직접 정의 내렸듯 이 음악들이 흥미롭지만 무시할 수 있어야 한다는 명확한 의도에 의해 제작 및 작곡됐다. 특정한 것을 강요하지 않으면서 다양한 수준의 청취를 수용할 수 있는 앰비언트 뮤직은 사람들이 스피커나 연주자 앞에서 집중하는 것과는 매우 다른 의미로 존재했다. 주의를 요구하지 않기 때문에 오히려 주의 환경을 강화하는 데에 매우 효과적이었으며 적극적인 청취를 위한 것이 아니었기 때문에 휴식이나 수면 직전에 권장됐다. 그리고 앰비언트는 다양한 방식으로 변이되었지만 Ambient 1: Music for Airports를 통해 앰비언트의 미학이 확립됐다. 이후 브라이언 이노의 앰비언트 시리즈는 해롤드 버드와 함께한 Ambient 2: The Plateaux of Mirror, 라라지와 함께한 최면적인 Ambient 3: Day of Radiance, 필드 레코딩을 적극 활용한 Ambient 4: On Land로 이어진다. 브라이언 이노는 팝 취향의 앨범을 내놓는 와중 시청자의 주의를 요구하지 않는 7개의 비디오와 함께 완성한 Thursday Afternoon를 발매하면서 시각 미술과 앰비언트의 교집합점을 모색했다. 1983년, 브라이언 이노는 나사의 아폴로 우주선 임무에 관한 다큐멘터리에 들어갈 음악을 요청 받는다. 그렇게 자신의 동생 로저 이노와 기타리스트 다니엘 라누아와 함께 작업한 Apollo: Atmospheres and Soundtracks는 가장 성공한 앰비언트 앨범으로서 자리매김하게 된다. 이는 기존의 드론과 루핑을 유지하면서도 컨트리 같은 대중적인 음악 형식 또한 교묘하게 짜깁기하면서 보다 친밀하게 다가갔다. 대니 보일 감독이 주로 이 음반 수록 곡을 자신의 영화에 가져다 쓰곤 했는데, 트레인스포팅에는 Deep Blue Day를, 그리고 28일 후에는 An Ending (Ascent)를 각각 활용했다. 특히 An Ending (Ascent)의 경우 다양한 이들에게 영향을 끼친 트랙으로 하이퍼덥 소속의 덥스텝 거인 배리얼, 프루 프루 등의 아티스트들이 직접 샘플링하기도 했다. 2000년대 이후 브라이언 이노는 아예 자신이 영향을 끼친 후계자들에 의해 세워진 전자음악 명가 워프(Warp)를 통해 앰비언트 앨범들을 발표하기도 한다. 에이펙스 트윈, 스타즈 오브 리드, 보즈 오브 캐나다 등이 직접적으로 그에게 빚을 지고 있으며, 아웃캐스트 출신 앙드레 3000의 작년도 앨범 New Blue Sun에도 영향을 미친 것으로 언급됐다. 여기서는 주로 앰비언트 아티스트로써의 브라이언 이노를 다뤘지만 알려진 대로 그는 피터 칠버스와 공동으로 개발한 앱 블룸, 그리고 스스로 생각하는 음악을 만드는 스케이프를 포함한 iOS앱 등을 만들기도 했다. 아티스트의 창작을 도와주는 데에 유용하게 활용되는 카드 Oblique Strategy 또한 앱 형태로 다시 제작하기도 했다. 알려진 대로 뉴욕에서는 노 웨이브 무브먼트에 불꽃을 점화시켰으며, 마이크로소프트 윈도우 95의 시작 음악 또한 브라이언 이노가 만든 것으로도 유명하다. 최근에는 브라이언 이노를 다룬 Eno라는 제목의 다큐멘터리가 공개되기도 했다. 당연히 이 역시 일반적일 리가 없는데 이 영화는 컴퓨터 프로그램을 사용하여 임의로 영상을 선택해 영화를 편집하여 매번 상영될 때마다 다른 버전이 출력되는 구성을 지니고 있다. 이 다양한 버전은 대략 52조 개경우의 수로 도출된다고 한다. 브라이언 이노의 앰비언트 작업물들은 여러 세대와 장르에 걸쳐 영향을 미쳤다. 현대음악과 전자음악, 그리고 뉴 에이지가 보다 활성화되는 것에 기여했으며, 지금 유튜브에서 흔히 볼 수 있는 ASMR의 경우도 앰비언트로부터 뿌리내린 것이라 말할 수도 있을 것이다. 또한 우리가 앰비언트 음악의 전형이라고 알고 있는 신시사이저 드론은 TV나 영화의 배경음악으로도 자주 활용되곤 한다. 개인적인 경험을 말해보자면 DMZ 철책에서 군복무를 할 무렵 북한 쪽 대남 확성기에서 ARP 신시사이저를 활용한 앰비언트 음악 같은 것이 계속 들려 신기했던 적이 있다. 시간이 지나 이것에 대해 알게 됐는데 이 음향은 북한 사람들이 남한이 보내는 대북방송을 듣지 못하게끔 북한측에서 소리의 벽을 치는 행위였다. 데이빗 번(토킹 헤즈), 존 케일(벨벳 언더그라운드), 칼 하이드(언더월드) 등등과의 협업 앨범을 작업해온 브라이언 이노는 스스로를 음악가가 아닌 사람으로 칭하곤 했다. 브라이언 이노가 프로듀스한 U2의 기타연주자 엣지의 초기 인터뷰에서 브라이언 이노의 특징이 잘 드러난다. 그는 훌륭한 키보드 연주자가 아니며, 훌륭한 노래를 쓰지도 못하는데 예를 들어 데이빗 보위나 폴 매카트니가 곡을 쓸 때 필요한 기술이 없다. 엔지니어링 및 기술적 능력도 제한적이다. 사실 그는 엄청나게 많은 것에 대해 거의 알지 못한다. 하지만, 그 지식을 어떻게 적용하느냐가 정말로 중요하다. 브라이언 이노의 통찰과 자신감은 자신의 음악, 그리고 그가 프로듀스한 작업물에 모두 훌륭하게 적용되어 있다. 그리고 이는 특별한 결과물로 도출되곤 하는데, 음악에 대한 지식이 별로 없는 상태에서 보다 놀라운 결과를 얻을 수 있다는 점이 흥미로우며, 오히려 더 잘 알고 있었다면 도착하지 못했을 목적지로 이동할 수 있다 말하기도 했다. 브라이언 이노가 앰비언트 작업을 시작했을 때는 그림과 더 비슷한 음악을 만드는 것이 목적이었다. 브라이언 이노 자신이 무엇을 하는지 정확히 알고 있든 혹은 우연의 결과물이든, 이것은 지난 50년 동안 음악이 작동하는, 혹은 소비되는 방식을 본질적으로 변화시켰다. 나는 종종 시대를 너무 앞서간다는 비난을 받지만 그것은 사실이 아니다. 실제로는 다른 모든 사람들이 뒤처져 있는 것이다. -브라이언 이노 ☞ 추천 음반 ◆ The Complete Obscure Records Collection 1975-1978 (2023 / Obscure, Dialogo) 브라이언 이노가 설립한 레이블 옵스큐어에서 발매된 일련의 레코드 시리즈는 초기 앰비언트를 이야기할 때 가장 중요한 역사라 할 수 있는 보물들이다. 그리고 작년에 비로소 이것의 전 시리즈가 박스세트 형태로 발매됐다. 브라이언 이노를 시작으로 마이클 니만, 존 케이지, 게빈 브라이어스 등의 거장들이 시리즈를 이어 나가고 있는데, 앰비언트, 현대음악에 관심이 있다면 반드시 이 역사를 한번 곱씹어보아야만 한다. ◆ Lux (2012 / Warp) 이탈리아 토리노에 위치한 베나리아 궁전 미술관에서 브라이언 이노에게 의뢰한 작업물을 앨범으로 발매한 것이다. 앨범이 공개되기 4일 전에는 일본 하네다 공항 장내에서 미리 이 곡을 재생하기도 했는데, 마치 Music for Airports 시기의 전통을 따르는 듯한 모양새로 보인다. 수십년 동안 바뀌어 온 앰비언트 뮤직, 그리고 브라이언 이노 자신의 스타일을 역행해 다시 초창기 앰비언트 스타일로의 회귀라는 평가를 얻어냈다. ◆ 한상철 밴드 불싸조 기타리스트 다수의 일간지 및 월간지, 인터넷 포털에 음악 및 영화 관련 글들을 기고하고 있다. 파스텔 뮤직에서 해외 업무를 담당했으며, 해외 라이센스 음반 해설지들을 작성해왔다. TBS eFM의 On the Pulse 음악 작가, 그리고 SBS 파워 FM 정선희의 오늘 같은 밤 고정 게스트로 출연하기도 했다. 록밴드 불싸조에서 기타를 연주한다. samsicke@hanmail.net 2024.08.14 한상철 밴드 ‘불싸조’ 기타리스트
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개식용 문화에 마침표! 이제는 동물복지 선진국으로 조희경 동물자유연대 대표 금년 2월 6일 공포된 「개의 식용 목적의 사육·도살 및 유통 등 종식에 관한 특별법」(이하 「개식용종식법」)이 8월 7일부터 본격 시행되었다. 이 법의 주요 골자는 식용을 목적으로 개를 사육하거나 도살·유통하는 행위, 개를 원료로 한 조리, 가공한 식품을 판매하는 행위를 금지하고 있다. 하지만 3년의 유예기간을 두어 2027년 2월 6일까지 관련 산업의 폐업할 수 있는 시간을 주었고 정부는 전·폐업 지원 방안 수립 및 실행을 해야 한다. 따라서 정부는 지난 6개월 동안 관련 영업 실태 조사 및 영업자 운영 신고, 전·폐업 이행계획서를 접수받으며 지원 방안 수립을 이어왔다. 우리 사회에서 개식용 종식을 위한 조직적인 시민운동이 시작된 것은 1999년부터로 당시 15대 국회에서 개 도살을 합법화하려는 축산물가공처리법 개정안을 발의한 것이 도화선이 됐다. 개를 가축의 범위에 넣어 축산물로써 도살과 유통을 허가하려는 것이었다. 그러나 정부나 국회로선 국제적 체면이 구기는 일이니 받아들일 수 없었을 것이고 거기에 더하여 시민들의 반대에 부딪혀 발의안은 법안 심사도 못하고 폐기됐다. 이후로 동물단체들은 개식용종식을 위한 캠페인과 현장 활동에 활발히 임하며 30여 년을 뛰어왔다. 개식용종식법 시행이라는 오늘이 있기까지 무려 30여 년이 걸린 것이다. 지난해초복을 앞둔 7월 8일서울 종로구 인근에서 열린 2023 개식용 종식 촉구 국민대집회에 모인 사람들.(제공=동물자유연대) 시민단체들은 개식용 산업에서 행해지는 잔혹함을 사회에 폭로하며 캠페인을 이어오는 과정에서 다양한 쟁점과 마주쳤다. 그 중 대표적인 것이 개 도살 및 유통 합법화로 인도적인 도살과 위생적인 관리를 해야 한다는 주장과 어차피 감소 추세에 있으니 그냥 두면 저절로 소멸될 것인데 왜 굳이 법으로 금지하느냐는논쟁이었다. 인도적인 도살과 위생적인 관리를 위한 합법화는 더 큰 함정이 있다. 이미 합법적인 기존 축산에서도 도축 과정은 종종 인도적인 문제를 야기하고 있어서 세계적으로 개선이 요구된다. 과학에 근거한 동물복지 기준 마련에 힘쓰기도 하지만 해소되는 것은 극히 일부분이다. 이런 상황에서 또 다른 동물 도살을 합법적으로 추가하는 것은 국내외적인 여러 상황과 정서상 용인되기 어렵다. 위생 관리는 과학적·정서적 측면에서 인도적인 쟁점을 넘어설 때만이 논의될 수 있는 부분이다. 더 큰 문제는 합법화가 주는 함정이다. 이는 향후 개식용 산업의 활성화를 전제로 해 소비 촉진에 박차를 가하는 것이 합법적인 축산업의 본질이라는 점이다. 개의 지육 판매 광고와 가공육이 유통 상가에 진열되고 개고기 소비 촉진을 위한 광고가 난무하는 사회를 상상해보면 과연 이것이 우리 사회가 가야 할 방향이라고 생각할 국민이 있을까. 입법으로 개 도살 및 유통을 금지하는 방안에 대한 논쟁도 컸다. 개식용 수요는 점차 감소하고 있으니 어차피 저절로 소멸될 것을 굳이 법으로 금지하느냐는 것이다. 소비 감소는 필연적이어서 이 역시 일견 타당한 의견처럼 보이지만, 어린 시절부터 습관적으로 이어온 대에서 대를 잇는 소비 패턴이 우리 사회에 계속 잔류될 것을 간과할 수 없다. 이를 기반으로 공장식 축산업 구조를 갖춘 밀집형 사육 개 농장만 견고하게 자리 잡게 될 가능성이 크다. 불법 운영되고 있는 개 도살장에서 구조되는 개들.(제공=동물자유연대) 현재도 개 농장은 이미 공장식 축산화되어 있다. 바닥에 구멍이 숭숭 뚫린 철망 바닥의 뜬장이 촘촘하게 배열된 그 안에 운동량이 크게 요구되는 대형견들이 빼곡하게 갇혀 사육된다. 뜬장 아래에는 배설물이 쌓여 악취와 오염의 환경에서 인간이 먹다 버린 맵고 짠 음식물쓰레기를 먹으며 산다. 건강할 리 없다. 개들은 바닥을 밟아보는 날이 죽는 날이 되는 잔혹한 환경에 처해있다. 수요가 줄어든다는 것은 판로에 취약한 전통적 관념의 농가는 사라지고 독점적 유통망을 형성하며 집약화된 공장식 축산만 생존한다는 의미를 관통하고 있으며 국내 개 농장 산업은 이미 그렇게 대규모화로 재편돼 가고 있는 중이다. 문제는 건축법, 토지관련법 등 기존 법률에 저촉되는 부분이 많은데도 불구하고 수백에서 수천 마리의 개들을 강제 집행할 수 없는 점을 볼모로 버티며 산업을 영위하고 있는 농장들이다. 어느 것을 보아도 더 이상 방치할 수 없는 수준에 와 있기에 법적인 마무리가 필요한 시점이다. 인류사에서 개와 고양이는 반려동물로 꽤 중요한 자리를 차지한다. 개개인의 선호에 따른 잣대는 있을지언정 사회적 인식 기준의 흐름이 명확한 것은 반려동물 연관 산업의 성장에서도 보여준다. 사회 여건에 따라 어떤 용도로 인식되느냐의 차이는 있었을지언정 근본적인 지위는 반려동물로 굳건한 것이 세계의 공통된 인식이자 정서다. 그렇기에 우리 사회가 개식용을 법으로 종지부를 찍는 것은 우리 국민들의 정서는 물론, 글로벌화로 경제와 문화 성장을 이루는 우리에게 꼭 필요한 과정인 것이다. 2024.08.14 조희경 동물자유연대 대표
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세제의 합리화에 중점을 둔 ‘2024년 세법개정안’ 오종현 한국조세재정연구원 조세정책연구실장 지난 7월 25일 정부는 2024년 세법개정안을 발표했다. 정부는 올해 세법개정안을 마련하면서 고민이 많았을 것으로 보인다. 재정 여건을 보면 현재는 세수확충이 필요한 시기이다. 작년에 이어 올해도 세수가 부족해 재정수지를 관리하는 데 어려움을 겪고 있고, 고령화 등으로 중장기적으로도 재정의 지속가능성이 위협받고 있기 때문이다. 그러나 경제·사회 여건을 보면 세수확충만을 강조할 수도 없는 것이 사실이다. 경제와 자본시장의 효율화에 대한 사회적 요구, 출산율 회복, 성장동력 확보와 같은 구조적 과제, 그리고 조세체계의 합리화와 같은 제도적 과제를 해결하기 위한 정책도 필요한 상황이기 때문이다. 그리고 이러한 정책은 사실 당장의 세수에는 도움이 되지 않을 가능성이 크다. 올해 세법개정안은 재정 여건보다는 경제·사회 여건 쪽에 조금 더 무게가 실린 것으로 판단된다. 이번 세법개정안의 세수 효과를 살펴보자. 정부는 올해 세법개정안으로 2024년 대비 5년에 걸쳐 약 4조 3515억 원의 세수가 감소한다고 추정한다. 이는 순액법 기준으로 중장기적으로 매년 현행 제도와 비교해 이 정도의 세수가 감소한다는 의미다. 즉 이번 세법개정안은 세수가 어느 정도 감소하더라도 앞서 언급한 정책에 노력을 기울이겠다는 것으로 해석할 수 있다. 또한, 세법개정안의 내용을 뜯어보면 비과세·감면 제도 정비 등으로 세입 여건을 개선하기 위해 고민한 흔적도 보인다. 상속·증여세 세율체계개편, 25년 만의세제 합리화를 위한 변화 이번 세법개정안에서 가장 눈에 띄는 내용은 상속·증여세의 세율체계와 공제제도를 개편하는 안이다. 정부안이 그대로 확정되면 최고세율이 50%에서 40%로 인하되고, 최저세율 구간이 1억 원 이하에서 2억 원 이하로 확대되며, 상속세의 자녀공제가 5000만 원에서 5억 원으로 확대된다. 그리고 이러한 상속·증여세제의 개편이 이번 세법개정안으로 인한 세수 감소의 상당 부분을 차지하는 것으로 보인다. 상속·증여세의 세율체계는 2000년 이후 25년간 한 번도 변하지 않았고 공제금액 또한 적절히 인상되지 않아 그간의 물가와 자산가격 상승을 잘 반영하지 못한다는 지적이 많다. 또한 상속·증여세의 최고세율이 지나치게 높다는 비판도 있다. 정부가 이러한 점을 받아들여 상속·증여세제의 합리화를 추진하는 것으로 평가할 수 있다. 다만 세율체계의 변화 폭이 크진 않은데, 이는 어려운 세입 여건이 반영된 것으로 풀이된다. 한편 상속세의 자녀공제를 5000만 원에서 5억 원으로 대폭 확대하는 안은 꽤 파격적으로 느껴진다. 다자녀 가구를 지원하기 위한 것이라기에는 증여세 자녀공제는 그대로 둔 채 상속세 자녀공제만 인상한 것이 쉽게 이해되지는 않는다. 추측하건대, 이는 현재 과세체계가 유산세 체계인 상속세에서 유산취득세 체계와 유사한 효과를 얻기 위한 개정일 수도 있겠다. 다만 상속세의 과세체계를 유산취득세로 전환하자는 취지 중에는 상속세와 증여세 간의 차이를 축소하여 세대 간 자산이전의 의사결정에 왜곡을 줄이자는 것도 있다. 현재도 대체로는 증여세보다 상속세의 공제제도가 유리해 증여보다는 상속의 세 부담이 적은데, 이번 개정안이 반영되면 이러한 차이는 더욱 커질 것이다. 또한 상속세의 일괄공제가 5억 원인 상황에서 자녀 1인당 5억 원을 공제하는 것이 적정한가는 재고할 여지가 있다. 상속세의 자녀공제만 대폭 확대하기보다는 기초공제와 일괄공제를 포함하여 상속·증여세의 공제제도를 전반적으로 조화롭게 확대하는 대안을 고민할 필요가 있다. 주주환원 촉진세제, 자본시장에 긍정적 영향 미칠수 있을 것 올해 상반기에 자본시장을 활성화하기 위한 다양한 논의가 있었고, 관련 내용이 이번 세법개정안에 담겼다. 주주환원 촉진세제가 2026년부터 3년간 한시적으로 시행되는 안이 포함되었는데, 특히 배당소득 분리과세로 배당소득에 대한 세 부담을 낮추는 안이 눈에 띈다. 우리나라 기업의 배당성향이 낮은 이유 중의 하나로 배당소득세 부담이 자본이득세 부담보다 너무 높다는 점이 꼽힌다. 이번 개정안이 전체 배당소득에 적용되는 것은 아니지만 한시적으로 시행하여 주주환원에 대한 효과를 살펴보고 추후 제도를 보완해 나간다면 자본시장에 긍정적인 영향을 미칠 수 있을 것으로 보인다. 금융투자소득세의 존폐에 대한 논의가 뜨거운 가운데 정부는 이를 폐지하는 안을 담았다. 이를 폐지하려는 가장 큰 이유는 금융투자소득세가 자본시장에 몰고 올 충격의 크기를 가늠하기 어렵기 때문으로 보인다. 하지만 금융투자소득세는 현재의 금융세제보다 손익통산이나 손실이월공제 등에서 유리하고 금융상품 간의 형평성과 중립성을 개선하여 오히려 자본시장에 긍정적으로 작용할 수도 있다. 따라서 금융투자소득세를 폐지하기보다는 우려하는 점이 있다면 그러한 점을 개선·보완하여 시행하는 방안도 고려할 필요가 있다. 저출생 문제 대응 위해 조세제도를 가족친화적으로 개선할 필요 심각한 저출생 문제에 대응하기 위해 결혼·출산·양육을 지원하는 개정안도 포함되었다. 결혼세액공제 신설, 기업의 출산장려금 비과세, 자녀세액공제 확대 등이 그것이다. 이와 함께 근로장려세제의 소득 요건을 단독가구의 2배인 4400만 원으로 확대하는 안은 혼인에 대한 불이익을 해소한다는 측면에서 긍정적으로 평가할 수 있다. 혼인에 대한 1세대 1주택 특례 적용기간을 5년에서 10년으로 확대하는 개정안 또한 혼인에 대한 불이익을 줄이기 위한 안이다. 물론 이러한 제도변화가 출산율을 높이는 데 크게 기여하지 못할 수는 있다. 그러나 초저출생으로 결혼·출산·양육에 대한 지원이 무엇보다 중요하기에 조세제도가 최소한 혼인에 불이익을 주지 않고 더 나아가 가족친화적으로 설계되도록 제도를 개선해 나가는 노력이 필요하다. 투자와 고용을 촉진하기 위한 정책도 있다. 경제의 역동성과 성장동력을 확보하는 데 있어 투자와 고용의 중요성은 두말할 필요가 없다. 정부는 기업의 투자 확대를 유도하기 위해 통합투자세액공제의 증가분 공제율을 3~4%에서 10%로 인상하고, 기업의 성장사다리를 구축하기 위해 중소기업의 유예기간을 3년에서 5년으로 확대하며, 중소기업 유예기간 이후에도 RD와 투자에 대한 세액공제율을 점진적으로 인하하는 안을 제시하였다. 고용을 지원하는 정책으로는 통합고용세액공제를 개편하는데, 기존의 상시근로자 중심의 지원에서 계속고용과 탄력고용으로 구분하여 고용의 질적인 측면을 고려하는 점이 이번 개정안의 특징이다. 노동시장의 양적인 지표가 개선되는 상황이기에 고용의 질적인 측면에 중점을 둔 것은 바람직한 것으로 판단된다. 정부가 내놓은 올해의 세법개정안은 대체로 세제의 합리화에 중점을 둔 것으로 평가할 수 있다. 상속·증여세제의 개편이 그렇고, 배당소득세와 자본이득세의 격차를 줄이기 위한 노력도 이러한 측면에서 평가할 수 있다. 저출생에 대응하고 투자와 고용을 지원하는 개편안 또한 변화하는 환경 속에 합리적인 대안을 모색하는 과정으로 평가할 수 있다. 물론 어려운 세입 여건으로 개정이나 세제 지원 폭이 크지 않은 부분도 있고 논의가 더 필요한 부분도 있다. 올해 연말까지 각계각층의 건설적인 논의를 거쳐 합리적인 세제를 기반으로 정부가 목표한 역동적인 성장과 민생안정을 지원하는 세법개정이 이루어지길 바란다. 용어설명 유산세와 유산취득세 유산세는 현재 우리나라가 택하고 있는 상속세 과세 방식으로, 피상속인이 남긴 전체 유산 총액을 기준으로 상속인들이 연대납세의무를 지는 것을 말한다. 반면, 유산취득세는 재산을 물려받는 상속인이 받게 되는 금액을 과표로 해서 상속세를 매기는 방식이다. 예를 들어, A씨가 사망하면서 30억 원의 재산을 남겼다고 가정해 보자. A씨에게는 자녀가 3명 있었는데, 이들에게 모두 10억 원씩 재산이 분할 상속됐다. 이런 경우 다른 공제제도가 없다면 현행 세율체계에서 유산세 방식은 30억 원을 과세표준으로 보고 40%의 세율을 적용하지만, 유산취득세 방식에서는 각 자녀가 받는 10억 원이 과세표준이 돼 30%의 세율을 적용한다. 2024.08.12 오종현 한국조세재정연구원 조세정책연구실장
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올림픽과 올림픽 찬가 지난 7월 26일 밤 에펠탑이 마주보이는 트로카데로 광장에서 제33회 올림픽 개막식에서 올림픽 깃발 게양식과 함께 라디오 프랑스 합창단 소속 단원 60명과 프랑스 국립오케스트라 소속 단원 90명이 연주하는 올림픽 찬가가 우렁차게 울려 퍼졌다. 2024 파리 올림픽 개막식에서 울려 퍼지는 올림픽 찬가.(France 2 방송화면 캡처) 이 곡은 근대 올림픽 경기에서 사용되는 공식찬가로 그리스 작곡가 스피리돈 사마라스(Spyridon Samaras 1861~1917)가 작곡, 그리스 시인 코스티스 팔라마스(Kostis Palamas 1859~1943)가 작사했다. 2024 파리 올림픽 개막식에서 올림픽 찬가를 부르는 합창단.(France 2 방송화면 캡처) 그리스어로 된 올림픽 찬가의 영어판 가사의 첫 부분은 다음과 같다. 올림피아의 꺼지지 않는 불길, 우리의 앞날 비추고 역사적인 오늘, 희망의 불꽃으로 우리의 마음을 밝히리라. 유구한 역사의 대회를 함께하려고 전 세계에서 모인 우리,형제애로 각국의 깃발을 휘날리게 하리라. 가사 중 유구한 역사의 대회라는 표현에서 보듯 시대적으로 볼 때 올림픽 대회의 기원은 까마득한 옛날 로마가 건국되기 이전으로 거슬러 올라간다. 로마는 늑대 젖을 먹고 자랐다는 로물루스에 의해 기원전 753년에 건국되었다. 건국 당시 로마는 달동네 같은 부락에 불과했다. 그런데 로마가 건국되기 23년 전인 기원전 776년에 그리스의 올림피아에서는 제우스 신을 숭배하는 제전으로 올림픽 대회가 처음 개최되었던 것이다. 당시 올림픽 대회는 4년마다 한 번씩 개최되었고 경기는 5일 동안 진행되었다. 올림픽 대회 기간 동안은 에케헤이리아(ekecheira), 즉 휴전이 선포되어 전쟁 중인 도시국가들은 무기를 내려놓고 각 도시국가의 선수들과 종교 순례자들이 대회장까지 안전하게 이동할 수 있도록 했다. 그러니까 에케헤이리아는 올림픽 대회의 평화적 정신을 상징하는 중요한 요소였던 것이다. 한편 서서히 세력을 키운 로마는 이탈리아 반도를 통일한 뒤 카르타고를 꺾고 지중해를 내해로 하는 강대하고 거대한 나라로 발전하면서 기원전 146년에는 그리스를 흡수했다. 로마 지배하에서도 그리스에서 올림픽 대회는 계속되었다. 하지만 4세기 후반에 들어서 기독교를 로마제국의 국교로 선포한 로마제국 황제 테오도시우스 1세는 그리스와 로마의 전통신을 섬기는 행위를 금지했고 올림픽 경기도 이교도의 제전이라는 이유로 서기 393년에 완전히 폐지하고 말았다. 그후 약 1500년이라는 장구한 세월이 흘렀다. 프랑스의 교육자이자 역사학자 피에르 드 쿠베르탱(Pierre de Coubertin 1863~1937) 남작은 고대 그리스의 스포츠 정신을 현대에 부활시키고자 했으며, 이를 통해 국제적인 스포츠 대회를 구상했다. 그의 노력은 1894년 파리에서 열린 국제회의에서 결실을 맺어 국제올림픽위원회(IOC)가 결성되었고 제1회 근대 올림픽은 1896년 4월 6일부터 15일까지 열흘 동안 고대 올림픽의 발상지 그리스의 수도 아테네에서 개최하기로 결정되었다. 올림픽 찬가 악보 표지. 이에 국제올림픽위원회 그리스의 비켈라스 위원은 아테네 올림픽을 위해 올림픽 찬가를 그리스 작곡가 스피리돈 사마라스에게 의뢰했다. 작곡가 사마라스는 아테네 음악원에서 공부한 후 1882년 프랑스로 건너가 파리 음악원에서 유학했고 1885년에는 이탈리아로 이주했다. 이탈리아에서 그가 작곡한 오페라 작품들은 크게 주목 받았고 국제적으로도 크게 인정받고 있었다. 이리하여 올림픽 찬가는 1896년 4월 6일 아테네의 파나티나이코 경기장에서 13개국에서 온 241명의 선수들이 참가한 가운데 처음 울려 퍼졌던 것이다. 한편 이 올림픽 경기장은 대리석으로 만들어진 고대 그리스의 경기장을 복원한 것으로 최대 5만 명을 수용할 수 있었다. 1896년 제1회 근대 올림픽이 열린 아테네의 파나티나이코 경기장. 그런데 1900년 제2회 파리 올림픽부터는 각 개최국이 원하는 올림픽 찬가를 원하는 음악가들에게 작곡을 의뢰하는 바람에 사마라스의 올림픽 찬가는 오랜 기간 동안 잊혀지고 말았다. 이 곡이 부활한 것은 1958년. 당시 일본 도쿄에서 열린 국제올림픽위원회가 사라마스의 곡을 모든 올림픽 대회의 공식 찬가로 채택했던 것이다. 이는 쿠베르탱의 이상을 기리는 동시에, 올림픽 대회의 일관성을 유지하기 위한 중요한 결정이었다. 2004년 아테네 올림픽 개막식에 울려 퍼지는 올림픽 찬가.(올림픽채널 방송화면 캡처) 올림픽 찬가는 개막식과 폐막식뿐 아니라, 올림픽 성화 점화 의식과 같은 주요 올림픽 공식 행사에서도 연주된다. 이 곡은 대회마다 개최국이 자국의 언어로 번역하여 부르지만, 원어인 그리스어 가사로 부르는 경우도 적지 않다. 또한 1972년 뮌헨 올림픽의 개막식과 폐막식에서처럼 합창이나 독창 없이 오케스트라로만 연주하는 경우도 있다. 우리나라의 경우 1988년 서울 올림픽 개막식과 폐막식에서는 우리말로 합창했고,2018년 평창 동계올림픽 개막식서에는 소프라노 황수미가 그리스어로 독창을, 폐막식에서는 당시 11살의 소년 오연준이 영어로 독창했다. 이번 2024년 파리 올림픽 개막식과 폐막식에서는 각각 그리스어와 영어로 합창했다. 프랑스 사람들은 프랑스어에 대해 오만할 정도로 엄청난 자부심을 갖고 있는데 이번 폐막식에서 올림픽 찬가를 프랑스어가 아니라 영어로 부른 것은 매우 이례적이라고나 할까. [음악듣기] 올림픽 찬가 ◆ 정태남 이탈리아 건축사 건축 분야 외에도 음악·미술·언어·역사 등 여러 분야에 박식하고, 유럽과 국내를 오가며 강연과 저술 활동도 하고 있다. 유럽에서 클래식을 만나다, 동유럽 문화도시 기행, 이탈리아 도시기행, 건축으로 만나는 1000년 로마, 매력과 마력의 도시 로마 산책 외에도 여러 저서를 펴냈으며 이탈리아 대통령으로부터 기사훈장을 받았다. culturebox@naver.com 2024.08.12 정태남 이탈리아 건축사
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올림픽에 영감을 받은 ‘올림픽’ 음악들 2024 파리올림픽 개막식의 피날레는 병마와 싸우는 가수 셀린 디온이 장식했다. 에디트 피아프의 사랑의 찬가(Hymne A Lamour)가 에펠탑에서 그녀의 목소리와 함께 울려 퍼질 때, 이전의 모든 퍼레이드들을 음악 속에서 잊혀져 버렸다. 하늘이 무너져 버리고 땅이 꺼져 버린다 해도 우리가 서로 사랑한다면 아무 두려움 없어요라는 가사내용은 인류애를 강조하는 올림픽정신과도 일맥상통한다. 실제 에디트 피아프는 말년에 켈리포니아에서 이런 인터뷰를 했다. 젊은이나 여성, 아이에게 해줄 말이 있냐고 물어보는 기자에게 그녀는 서로 사랑하세요라고 대답했다. 올림픽 정신은 단순히 국가간의 경쟁을 넘어 서로이해하고 평화를 추구하며 인간의 존엄성과 인류애를 바탕으로 하고 있다. 세계를 하나로 묶어주는 올림픽은 여러 음악가들의 작품소재가 되었다. 역사적으로 위대한 작곡가들은 계속해서 올림픽을 소재로 작곡을 해왔다. 에너지가 넘치면서 우리를 하나로 만들어주며 때때로 감동을 주는 올림픽 음악에는 어떤 작품들이 있는지 살펴보자. 셀린 디온이 27일(한국시간) 프랑스 파리 트로카데로 광장에서 열린 2024 파리 올림픽 개회식에서 사랑의 찬가를 부르고 있다. (ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) ◆ 안토니오 비발디 올림피아드 바로크 시대를 대표하는 작곡가인 비발디는 올림픽에 영감을 받아 오페라를 작곡했다. 그는 50여개의 오페라를 작곡했는데 그 중 올림피아드는 꽤 알려진 오페라 중 하나다. 물론 그는 바로크시대 작곡가로 쿠베르탱에 의해 시작된 현대 올림픽이 아닌 고대 올림픽을 소재로 하고 있다. 전체 3막으로된 이 작품은 1734년 작곡되었으며 총 7명의 배역이 출연한다. 초연은 비발디의 고향 베니스 산탄젤로 극장에서 열렸으며 대본은 이미 같은 소재의 작품을 위해 쓰여졌던 대본을 사용하였다. 이 대본은 비발디 이외에도 여러 작곡가의 음악에도 쓰여졌는데, 즉 같은 줄거리이지만 음악만 따로 작곡되었다고 보면 된다. 내용은 고대올림픽 경기를 배경으로 국왕의 딸 아리스테아를 둘러싼 금지된 사랑과 배신을 그리고 있으며 대부분의 바로크 오페라답게 해피엔딩의 결말을 보여준다. ◆ 리하르트 슈트라우스 올림픽 찬가 1936년 베를린 올림픽은 마라토너 손기정이 금메달을 딴 대회로 우리에게 알려져 있다. 이 대회는 또한 독일 나치의 선전도구로 활용되기도 하였는데, 당대 유명 예술가였던 리하르트 슈트라우스 또한 그들의 손길을 피해갈 수 없었다. 당시 작곡가로 말러보다 더 높은 인기를 구가하고 있었던 슈트라우스는 나치가 자신들의 선전을 위해 꼭 이용해야 할 예술가였을 것이다. 사실 슈트라우스라는 인물은 나치에 의한 예술 지배 정책의 피해자라는 측면과 나치 협력자라는 모순된 측면이 함께 존재한다. 하지만 열성적인 나치 당원 이었던 그의 아들과 달리 며느리는 유대인이었기 때문에 슈트라우스는 며느리와 손주들을 지켜야 하는 책임 또한 있었다. 가족의 생명이 걸린 문제 이외에도 그가 나치의 눈치를 봐야 하는 이유는 많았을 것이다. 그는 올림픽 개막식 공연 때 지휘를 직접 하였고 올림픽 찬가도 작곡 하였다. 그의 올림픽 찬가는 IOC에서 독일 올림픽 위원회의 테오도르 레발트 박사로부터 음악을 작곡해 달라는 제의를 받아 작곡하였는데, 자신이 만족하는 가사를 쓴다는 조건으로 이를 수락했다. 3~4분정도의 길이의 그의 올림픽 찬가는 금관들의 팡파르로부터 시작하여 우렁찬 합창이 민속적인 멜로디와 함께 어우러진다. 초연은 대규모편성으로 400명정도의 음악가들이 동원되었다고 하며, 전체적 음악 분위기는 올림픽 찬가답게 극적이고 다이나믹한 느낌을 주고 있다. ◆ 레너드 번스타인 올림픽 찬가 올림픽 찬가를 작곡한 또 다른 음악가는 다재 다능한 천재 레너드 번스타인이다. 번스타인은 베를린 장벽이 무너지고 이를 기념하기 위한 공연을 맡아 지휘할 정도로 화합과 평화에 관심이 많은 인물이다. 번스타인이 올림픽 찬가를 작곡한 것은 어찌 보면 그가 가진 자유로운 예술적 성향과 올림픽 정신이 서로 맞닿아 있기 때문이지 않을까 싶다. 이 작품은 1981년 당시 서독의 바덴바덴에서 열린 올림픽 총회를 위해 작곡되었다. 81년 바덴바덴 올림픽 총회는 88서울올림픽 개최를 확정한 총회로 우리에게 뜻 깊은 회의 이기도 하다. 번스타인의 올림픽 찬가 역시 합창의 멜로디가 아름답다. 슈트라우스의 찬가처럼 역동적인 편은 아니지만 선율의 아름다움을 통해 평화의 목소리를 드높이고 있다. 찬가는 독일 작가 권터 쿠네르트의 가사에 맞춰 작곡되었으며 작품 피날레 부분은 번스타인의 뮤지컬 멜로디와 흡사하다는 평가가 있다. 초연은 남서독 라디오 방송 교향악단(SWR)과 바덴바덴 청소년 합창단이 하였으며, 첫 레코딩은 영화음악가로 유명한 존 윌리엄스와 보스톤 팝스 오케스트라가 녹음하였다. 그의 감수성이 느껴지는 이 작품은 대략 5~6분 정도의 길이로 연주되고 있다. ◆ 필립 글래스 올림피언 20세기 가장 영향력 있는 작곡가이자 미니멀리즘을 작곡기법에 활용한 현대음악의 대가, 바로 필립 글래스이다. 음악에 관심이 많지 않다면 다소 생소할 할 수도 있지만 그는 영화 디 아워스와 트루맨 쇼의 OST를 담당하기도 한 대중적 예술가다. 1984년 로스앤젤레스 올림픽의 성화 점화와 폐막 때 울려 퍼진 음악은 그가 작곡한 올림피언, 즉 올림픽 선수들이다. 올림픽 위원회인 IOC로부터 위촉 받아 작곡된 이 작품 또한 오케스트라와 합창이 음악을 이끌고 있다. 그는 작품에 대한 인터뷰에서 올림픽만큼 우리의 공유된 인간성, 우리의 공동 운명을 의식하게 만드는 행사는 생각나지 않습니다고 하였다. 또한 성화 점화의식에 관하여는 성화 점화식은 우리의 공유된 의식을 요약한 필수적인 상징으로 저에게 다가옵니다. 예술가가 그런 공개 행사에 개인적으로 기여하도록 요청 받는 것은 분명 드문 일입니다. 저에게는 독특하게 도전적이고 고무적인 경험이 되었습니다라고 말하였다. 글래스의 올림픽에 관한 관심은 자국의 LA올림픽에만 머물지 않았다. 그는 2004년 아테네 올림픽을 위해 인도음악의 대가 라비 샹카르를 비롯하여 마크 앳킨스, 우 만, 포다이 무사 수소, 애슐리 맥아삭, 우아크티등과 협업하여 올림픽을 위한 오페라 오리온을 작곡하기도 했다. ◆ 존 윌리엄스 올림픽 팡파르와 테마 영화음악계의 거장 존 윌리엄스도 올림픽 팡파르와 테마를 작곡하였다. 그가 영화음악에서 금관을 이용하여 바그너(R.Wagner)적인 색채의 웅장하고 화려한 선율을 끌어낸 것은 익히 알려진 사실이다. 그의 올림픽 팡파르와 테마곡은 지금도 올림픽 경기장면이나 관련영상에도 자주 사용되고 있다. 그는 이 곡을 1984년 LA 올림픽 위원회로부터 위촉 받아 작곡하였는데, 이후 그래미 어워드 악기연주(Instrumental) 부분에 후보로 선정될 정도로 올림픽음악으로는 상징적인 음악이 되었다. 존 윌리엄스는 자신은 열렬한 스포츠 팬도 아니고 올림픽에 가보지도 않았지만, 자신을 증명하기 위해 최선을 다하는 젊은이(선수)들에게 영감을 받았다고 하였다. 이 작품의 총보에는 플루트 3개(한 개는 피콜로를 겸함), 오보에 3개, 클라리넷 3개(한 개는 베이스 클라리넷을 겸함), 바순 3개(한 개는 콘트라바순을 겸함), 호른 4개, 트럼펫 4개, 트롬본 4개, 튜바, 팀파니, 타악기(스네어, 필드 드럼, 심벌즈, 베이스 드럼, 심벌즈, 차임, 글로켄슈필, 비브라폰, 트라이앵글), 하프, 피아노, 현악기로 구성되어 사운드의 웅장함을 더하고 있다. 존 윌리엄스는 1984년 7월 28일 로스앤젤레스 콜로세움에서 열린 개막식에서 이 곡을 직접 지휘하였고, 레코딩도 하였다. 그는 1992년 인터뷰에서 이 작품이 협동 정신과 영웅적 성취, 올림픽을 위한 모든 노력과 준비, 경기 후의 모든 환호를 음악적으로 표현하고자 했다고 말했다. ◆ 반젤리스 불의 전차 1981년도 제작된 영화 불의 전차는 1924년 파리 올림픽의 영국 육상 금메달 리스트 에릭 리델과 해럴드 에이브럼스의 실제 이야기를 기반으로 한다. 에릭 리델은 스코틀랜드 출신의 독실한 가톨릭신자로 하느님의 영광을 위해 달리기를 하였다. 헤럴드 에이브럼스는 고리대금업자의 아들로 태어난 유대인으로 편견과 차별에 대항하기 위해 달리기를 시작하였다. 두 명이다 케임브리지 대학 출신으로 특히 에릭 리델은 올림픽 100m의 강력한 우승후보였다. 하지만 경기가 주일인 일요일에 열리자 경기를 포기하였고, 헤롤드가 대신 나가 금메달을 딴다. 실제 에릭은 자국민의 비난과 영국왕자의 설득에도 뜻을 굽히지 않았다고 한다. 반전은 그가 친구가 양보한 400m에 출전해서 기적같이 세계신기록을 세우고 우승했으며 그 기록은 16년 동안 깨지지 않았다고 한다. 에릭은 인터뷰에서 처음 200m는 제 힘으로 달렸고 나머지 200m는 하나님의 도우심으로 달릴 수 있었다고 하였다. 에릭과 헤럴드, 두 젊은이의 신념과 열정은 반젤리스의 음악을 통해 영화 속에 녹아 들었다. 재작년 타계한 그리스 출신의 작곡가 반젤리스는 신시사이저를 이용하여 꺼지지 않는 심장박동소리를 표현했으며, 희망차고 아름다운 선율을 통해 스포츠 영화의 감동을 고스란히 전해주고 있다. 반젤리스의 이 음악은 영화의 인기와 더불어 빌보드 차트에서 한동안 1위를 차지하였고 아카데미 영화음악상도 수상하였다. 영미 합작영화인 불의전차의 스토리와 음악의 인기로 2012년 런던 올림픽 개막식에서 반젤리스의 음악이 다시 등장하였다. 런던 심포니와 사이먼 래틀의 지휘 그리고 미스터 빈으로 불리는 르완 왓킨슨이 공연의 재미를 위해 찬조 출연하였다. ◆ 김상균 바이올리니스트 서울대 음대 재학 중 오스트리아로 건너가 비엔나 국립음대와 클리블랜드 음악원 최고연주자과정 최우수 졸업. 이 후Memphis 심포니, Chicago civic오케스트라, Ohio필하모닉 악장 등을 역임하고 London 심포니, Royal Flemisch 심포니 오디션선발 및 국내외 악장, 솔리스트, 챔버연주자로도 활발히 활동 중이다. eigenartig@naver.com 2024.08.06 김상균 바이올리니스트
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미래를 여는 바이오 혁신의 길, 첨단바이오 이니셔티브 남진우 한양대학교 생명과학과 교수 최전선 바이오연구 현장 Laboratory 실험실(Laboratory)은 연구자가 연구 활동을 수행하는 공간이면서, 획기적 발견과 핵심 원천기술 개발이 이루어지는 현장이다. 실험실의 바이오 연구는 사람의 실수(Human Error)와 실험적 오차(Technical Error)로, 유의미한 결론을 위해 반복적 실험 수행이 필요하고, 이로 인해 바이오의 고질적인 고비용-저효율 문제에 직면하게 된다. 또한 연구자 숙련도에 따른 낮은 재현성 문제, 비효율적 데이터 관리로 낮은 데이터 재사용의 문제 등은 바이오 연구의 효율성과 정확성을 전반적으로 낮추고 있는 대표적 요인으로 생각된다. 이러한 바이오 연구의 비효율성을 극복함과 동시에, 최근 글로벌 바이오경제와 과학기술 패권경쟁, 바이오안보 이슈를 대비하는 새로운 바이오 전략 준비가 필요하다. 특히 바이오 분야의 디지털전환(Digital transformation)을 통해 AI-데이터 기반으로 연구개발의 시간을 단축하고, 높은 효율과 재현성을 갖도록 할 수 있는 디지털바이오를 기반으로 한 첨단바이오 분야가 관심을 받고 있다. 첨단바이오 이니셔티브 첨단바이오 이니셔티브는 글로벌 경제·안보 패러다임을 급속하게 바꿀 3대 게임 체인저 과학기술 중 하나로 많은 전문가들의 참여를 통해 초안이 만들어졌으며, 2024년 4월 25일 국가과학기술자문회의를 통해 발표되었다. 핵심 목표는 디지털바이오 육성, 바이오제조 혁신, 바이오의료 혁신, 인류 공동난제 해결에 있으며, 전체 목표를 관통하는 핵심 메시지는 디지털바이오 전략이라고 볼 수 있다. 바이오기술과 데이터융합을 통한 바이오의 디지털 전환으로 연구개발의 효율을 높이고, 산업화를 촉진하는 전략이 수립되었다. 디지털 헬스케어·제약장비 박람회 바이오플러스-인터펙스 코리아 2023에서 업체 관계자들이 인공지능 망막진단 플랫폼 시연을 하고 있다.(ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) 디지털바이오 전략 디지털바이오는 생명과학과 디지털/AI 기술이 결합된 데이터 기반 첨단바이오의 새로운 전략이다. 바이오 데이터와 인공지능(AI)을 결합하여 신약 개발, 유전자세포 치료, 정밀의료 및 질병 예측, 바이오제조, 기후 및 식량 해결 등을 혁신하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 고품질의 바이오 데이터를 확보하고, 바이오정보기술과 AI를 이용하여 연구개발 기간을 단축하고, 스마트화를 통해 비효율적인 연구프로세스를 효율화하는 한편, 실험적 오차가 용인되어온 바이오 연구, 제조 공정에 공학적 접근을 접목하면서, 바이오연구의 정밀화, 표준화를 강화하는 것을 전략으로 삼고 있다. 이러한 전략은 AI 기반 플랫폼을 기반으로 정밀조기진단, 정밀의학, 맞춤형 표적치료제 개발을 앞당길 수 있는, 바이오의 새지평을열 수 있는 돌파구를 마련해 줄 것으로 믿는다. 예를 들어, 구글 딥마인드의 알파폴드를 통해 단백질을 포함한 분자구조의 규명과 생성형 AI를 이용한 합성단백질의 최적 설계 플랫폼을 통해 신약 개발의 혁신을 이끌고 있으며, IBM, 엔비디아, 메타, 마이크로소프트 등 IT 공룡기업에서도 대규모 투자에 나서고 있다. mRNA백신으로 글로벌 제약회사로 발돋움한 모더나(moderna)는 긴코(Ginko) 바이오파운드리를 통해 최적의 mRNA 백신 서열과 구조를 짧은 시간에 설계하고, FDA 긴급 승인을 받을 수 있는 계기를 마련하였다. 국내에는 최근 국가통합바이오빅데이터구축 사업을 통해 임상, 유전체데이터로 구성된 바이오빅데이터를 수집하고 분석하는 체계를 마련하고 있으며, 이를 통해 환자 개인맞춤 정밀의료 및 정밀치료제 개발에 나설 예정이다. 한국생명공학연구원에서 바이오파운드리 베타시설을 참관하고 있는 이종호 과학기술정보통신부 장관.(ⓒ뉴스1, 과학기술정보통신부 제공, 무단 전재-재배포 금지) 대한민국 바이오제조 혁신 글로벌 바이오산업 규모는 2000조 원을 넘어서, 이미 반도체, 자동차, 이차전지 산업을 합친 규모보다 큰 시장을 형성하고 있다. 반면 대한민국 바이오산업은 연평균 10%의 높은 성장을 보이고 있지만 여전히 글로벌 시장의 2% 수준에 머무르고 있다. 미래 대한민국 차세대 먹거리가 바이오에 있다는 것이 허황된 얘기는 아닐 것이다. 이를 위해 우리가 할 수 있는 것은 첨단바이오에 대한 집중적인 투자와 더불어 바이오제조 혁신의 핵심인 첨단바이오 소재와 합성생물학과 바이오파운드리 기반 스마트 제조기술 육성에 집중하는 것이라 할 것이다. 특히, 합성생물학을 기반으로 핵심 바이오 부품의 최적 설계 기술을 개발하고, 미생물, 동물세포 등 다양한 플랫폼을 이용한 바이오 의약품 소재, 바이오 플라스틱 소재, 스마트 바이오센서 기술 개발이 핵심 미션으로 꼽히고 있다. 다양한 바이오 소재와 부품을 효율적으로 생산할 수 있는 첨단 제조 인프라인 바이오파운드리는 Design-Build-Test-Learn(DBTL) 순환에서 데이터, AI, 로보틱스를 기반으로 바이오 제조의 고속화 및 자동화, 스마트화를 실현함으로써 연구 결과를 빠르게 산업화 하는데 중요한 역할을 할 것으로 기대하고 있다. 2025년부터 정부는 5년간 대전 한국생명공학연구원 부지에 공공바이오파운드리를 구축하고 바이오제조 혁신을 위한 인프라 구축에 나설 예정이다. 이것이 구축되는 5년 후에는, 바이오의약품 등 고부가 가치의 바이오소재 개발과 생산을 위한 연구용 플랫폼이 구축되어, 고부가가치 바이오 신소재의 혁신적인 제조 방식을 도입하고, 연구개발 비용과 기간을 획기적으로 단축시킬 것으로 기대하고 있다. 2024 바이오플러스 인터펙스 코리아에서 관계자가 의약품 1차 포장제를 들어보이고 있다.(ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) 바이오의료 혁신과 인류 공동난제 해결 첨단바이오 이니셔티브의 바이오의료 혁신은 첨단바이오 기술인 유전자세포치료, 유전자편집, 차세대약물전달, 정밀의료, 차세대 신약모달리티, 노화극복 등을 통해 국민의 건강한 삶을 보장하면서, 글로벌 바이오의약품 원천기술 개발을 목표로 하고 있다. 이를 위해 멀티모달 유전자 편집 기술, 신개념 차세대 약물 전달, 첨단재생의학 등 혁신기술의 개발이 필요할 것으로 보인다. 또한, 디지털바이오 전략과 접목되어 디지털 헬스케어 기기와 맞춤형 정밀의료 치료제를 개발하여 개인 맞춤형 의료 서비스를 개발하는 것이 주요 혁신안으로 제시되었다. 특히, AI 기반 헬스케어 플랫폼을 통해 환자의 건강 상태를 모니터링하고, 데이터 분석을 통해 최적의 치료 방법을 제시함으로써, 개인 의료 서비스의 질을 향상시키고, 국민의 건강한 삶을 지원할 수 있을 것으로 기대하고 있다. 첨단바이오 이니셔티브는 기후변화, 식량 부족, 감염병 등 인류가 직면한 공동의 난제를 해결하는 것을 목표로 한다. 탄소중립, 바이오 에너지 소재를 개발하여 탈탄소 전환을 가속화하고, 첨단바이오 농수산업 혁신을 통해 식량 안보를 확보하는 기술을 개발하는 지원을 계획하고 있다. 예를 들어, 생분해성 플라스틱, 바이오디젤, 인공광합성 기술 등이 대표적인 사례로 생각될 수 있다. 지난해 코엑스에서 열린 세계 제약·바이오·건강기능 산업 전시회에서 관람객들이 의약품과 건강보조식품 등을 살펴보고 있다.(ⓒ뉴스1, 무단 전재-재배포 금지) 첨단바이오 이니셔티브, 미래 바이오혁신을 꿈꾼다 첨단바이오 이니셔티브는 바이오 기술의 혁신을 통해 인류의 복지와 안전을 증진시키고, 글로벌 바이오 강국으로 도약하는 비전을 가지고 있다. 특히, 디지털바이오, 바이오제조 혁신, 바이오의료 혁신, 인류 공동난제 해결이라는 네 가지 주요 목표를 달성하기 위해 다양한 실행 프로그램을 통해, 우리나라가 미래 바이오의 중심으로 자리매김할 수 있기를 기대한다. 한편, 첨단바이오 이니셔티브의 실천을 통해 현재 바이오 연구 실험실(Laboratory)의 큰 변화가 생겨나길 희망한다. 연구자가 로봇연구자와 함께 연구하는 실험실, 빅데이터 기반의 가설 생성 AI, 스스로 진화하는 실험자동화 장비와 프로토콜, 반복실험이 필요없는 고정밀 실험시설, 대규모 실험시설이 클라우드로 연결되는 환경, 연구 활동이 자동으로 기록되고 연구노트와 연구장비가 자동으로 연결되는 환경 등은 우리가 꿈꾸는 미래 스마트 첨단바이오 실험실(Automatory)일 것이다. 학령인구 감소와 글로벌 경쟁에서 과학이 살아남기 위해, 창의적이고, 혁신적인 바이오 연구를 지속적으로 수행하기 위해, 첨단바이오는 거스를 수 없는 대세이다. 2024.07.31 남진우 한양대학교 생명과학과 교수(한국연구재단 차세대바이오단장)